The art of Luciana Novo.
Words by Susana Molina 2012-06-08 13:29:19 | Categories: MAGAZINE
IN A CONTEXT IN WHICH THE END OF THE WORLD as we know it is being speculated on, the artistic style of Luciana Novo (born Córdoba, Argentina, 1981) is ideal. “I create images and icons that I sense would be good representatives of 21st century society in a natural history museum of the 22nd century. We have been swallowed up by the culture of excess and it’s almost impossible not to take certain extravagancies as a reference point, ones that can be measured with what for me is most relevant: natural forces, the planet Earth and human nature. I devise my works like premature archaeology, orthopaedic recreations of nature, or souvenirs of our era”.
The work of the artist can be seen to be influenced by these excesses and the accumulative character of the culture of the masses: as much in the content, where film, music, junk food, the jungle, documentaries about the end of the world, natural history museums and exhibitions have had an effect on her work, as in the form. She says she suffers from hórror vacui (the need to fill the entire surface). In her work, as in her house and her studio, there are never any empty spaces. “This is the most powerful constant, almost the principle of all the ideas”. The grouping of elements creates relationships where ideas germinate, ideas which sometimes “emerge on their own through some force which at first I don’t recognize.” But this accumulation does not imply disorder; more than that, everything is situated in a specific place. “I believe that a good piece of art is one where you can find flexibility and balance between chaos and perfect harmony”.
She moves between sculpture and painting, two techniques that can be seen as opposing each other. Opposite the almost mischievous freedom of working with sculptural materials is the immersion in the pictorial artistic process. In spite of the differences between the two disciplines, she confesses to finding it impossible to drop either of them. More than that, she finds in Plasticine the way to bring them together. “A good working material is one that can be adapted to the idea that finds a relationship and offers itself to the task. When this happens the experience is sure to be positive. I like Plasticine a lot because I can manage it like a 3D picture. I make up my palettes of colour, it can be modelled or piled up, and it fills the space and has many advantages and fluorescent colours… But I use any material, depending on the work and the needs.”
Her creations could be classified as figurative expressionism, although that in itself is a way of cataloging like any other. Some have even compared the style to some of the works of Lucian Freud, one of the most important figurative artists of contemporary art. Novo recalls this comparison as merely an anecdote of the past, although she expresses her appreciation of and being influenced by the British artist, as well as of Daniel Richter, Henry Darger, Louise Bourgueois, Judith Scott, Werner Herzog, Twombly and Hannecke, “the greats”. But she doesn’t feel uncomfortable with labels. In fact, she speaks ironically about her passion for Dymo and the needs of people to label everything. With or without labels, her work is full of colours, overflowing shapes that flee from straight lines, of representations of nature and the human figure. Her work fluctuates between sculptures on the scale of fights between polar bears, groups of cherubs with desolated expressions on the floor, passionate scenes with exuberant characters and those of colourful birds and other creations. All of it covered at times in a subtle irony that is critical of certain facets of contemporary life, albeit with prudence “It is very important for the artist to be capable of irony. One has to be able to see as many points of view as possible. But I don’t think art should be ironic above all else, or anything near that. As a matter of fact there’s a latent danger of turning art into a joke, something that I dislike intensely. But this wit should be in the head of the artist, so that he can produce something capable of grabbing the attention of the spectator”.
On talking of the supposed considerations about high and low culture, she goes for a dance between the two. What is more, “Works from years gone by that were considered populist or of a low category have turned into untouchable classics in our eyes. We accept that perhaps what defines us best is not always the sublime but also the simple, the accidental or even the ridiculous. I find that we have advanced in as far as the search for culture is concerned, that the remix is our best definition and that there is no more ample remix than certain shelves of our times”. As for the possibilities for exhibiting today “there are few galleries that really go for it, and getting into them is not always easy. You have to work a lot, set your sights high and know where the limits are. If not, it is very easy to lose and give up. Little by little small galleries and exhibiting spaces are being set up where they put their faith in the new generations of artists, ones with a good spread and reasonable prices”. Who knows if one day her work could be displayed in an art museum; or even further in the future in one of the natural history museums as she puts forward the idea of how she develops her work.
EN UN CONTEXTO EN EL QUE SE ESPECULA CON EL FIN del mundo tal y como lo conocemos, la propuesta artística de Luciana Novo (Córdoba, Argentina, 1981) es idónea. “Creo imágenes o iconos que, intuyo, representarían bien a la sociedad del siglo XXI en un museo de ciencias naturales del siglo XXII. Estamos sumidos en la cultura del exceso y es casi imposible no tomar como referencia ciertas extravagancias, que se miden con lo que para mí es más relevante: las fuerzas naturales, el planeta tierra y la naturaleza humana. Concibo mis obras como una arqueología prematura, recreaciones ortopédicas de la naturaleza o souvenirs de nuestra era”.
La obra de la artista se ve influenciada por esos excesos y el carácter acumulativo de la cultura de masas: tanto en los contenidos, donde el cine, la música, la comida basura, la selva tropical, los documentales sobre el fin del mundo, los museos de ciencias naturales o las ferias han hecho mella en su trabajo; como en la forma, pues dice sufrir de hórror vacui. En su obra, así como en su casa y en su estudio, no hay nunca un vacío. “Ésta es la constante más poderosa, casi el principio de todas las ideas”. La agrupación de elementos va creando relaciones donde germinan las ideas, las cuales en ocasiones “surgen solas por alguna fuerza que a priori desconozco”. Pero esta acumulación no implica un desorden, es más, todo se sitúa en su lugar específico. “Creo que una buena pieza de arte es aquella que encuentra la flexibilidad o el equilibrio entre el caos y la armonía perfecta”.
Se mueve entre la escultura y la pintura, dos técnicas que considera antagónicas. Frente a la libertad casi traviesa para trabajar con los materiales escultóricos y la inmersión en el proceso artístico pictórico. A pesar de las diferencias entre ambas disciplinas, confiesa la imposibilidad de desvincularse de ninguna de ellas. Es más, encontró en la plastilina la vía para aunarlas. “Un buen material de trabajo es aquel que se adapta a la idea, encuentra relación y se ofrece. Cuando esto se cumple, la experiencia es seguro positiva. Me gusta mucho la plastilina porque puedo manejarla como pintura 3D. Hago mis paletas de color, puede modelarse o amontonarse, llena el espacio, tiene muchas ventajas y colores fluorescentes… Pero utilizo cualquier material dependiendo de la obra y las necesidades”.
Sus creaciones podrían clasificarse dentro del expresionismo figurativo, aunque ella misma admite que es una forma de catalogar como cualquier otra. Incluso han comparado el estilo de algunas de sus creaciones con el de Lucian Freud, uno de los artistas figurativos más importantes del arte contemporáneo. Novo recuerda esta comparación como mera anécdota del pasado, aunque manifiesta su aprecio e influencia por el británico, así como por Daniel Richter, Henry Darger, Louise Bourgueois, Judith Scott, Werner Herzog, Twombly o Hannecke, “los grandes”. Pero no se siente incómoda ante las etiquetas, de hecho ironiza sobre su pasión por la Dymo y la necesidad de la gente por etiquetarlo todo. Con o sin etiquetas, su obra está plagada de colores, formas desbordadas que huyen de las líneas perfectas, de representaciones de la naturaleza y de la figura humana. Su obra fluctúa entre esculturas a escala de peleas entre osos polares, agrupaciones de cabezas de querubines de expresión desolada en el suelo, escenas pasionales con exuberantes protagonistas o esculturas de coloridas aves, además de otras creaciones. Todo ello cubierto en ocasiones de una sutil ironía crítica contra ciertas facetas de la vida contemporánea, pero con prudencia: “Es importantísimo que el artista sea capaz de ironizar. Hay que contemplar cuantos más puntos de vista mejor, pero no creo que el arte deba ser ante todo irónico ni mucho menos, de hecho hay un peligro latente de convertir el arte en un chiste, cosa que me desagrada tremendamente. Pero en la cabeza del artista sí debe existir esa gracia para poder contar algo capaz de acaparar la atención del espectador”.
Al hablar de las supuestas consideraciones sobre la alta o baja cultura apuesta por un baile entre las dos. Además, “las obras antaño consideradas populares o de baja categoría se han transformado en clásicos intocables a nuestros ojos, aceptamos que quizá lo que mejor nos define no es siempre lo sublime sino también lo simple, lo accidental o incluso lo ridículo. Encuentro que se ha avanzado en cuanto a la búsqueda de cultura, que el remix es nuestra mejor definición y que no hay más amplio remix que ciertas estanterías de nuestros días”. En cuanto a las posibilidades expositivas en la actualidad “son pocas las galerías que apuestan de verdad y llegar a ellas no es siempre fácil. Hay que trabajar mucho, apuntar alto y saber dónde están los límites, si no, es muy fácil perder y abandonar. Poco a poco nacen también pequeñas galerías o espacios expositivos donde se apuesta por las nuevas generaciones artísticas, con una buena divulgación y precios razonables”. Quién sabe si su obra podrá verse expuesta en un futuro en un museo, o incluso en un tiempo más lejano en uno de ciencias naturales tal y como plantea la idea que desarrolla en su propuesta.