Interview with David Trueba, the enfant terrible of Spanish cinema.
Words by Claudia Lorenzo Rubiera 2012-07-23 17:02:01 | Categories: CULTURE LAB
ONE OF THE FEW REPRESENTATIONS THAT SPAIN HAD IN SUNDANCE 2012, and the only one which was competing in the Feature Film Program, was Madrid, 1987, a film directed by David Trueba and almost exclusively starring María Valverde and José Sacristán. Their characters represent a mature columnist and a journalism student who are locked inside a bathroom half-naked, and reflecting upon a specific culture, a period of time, and a clash between generations, during almost the entire film. The film was produced by Trueba himself, as he was not able to find support among television channels. He also presented the film in one of the several screenings held in Utah. Due to the snowfalls occurred during the first weekend of the festival, Trueba got stuck in Seattle and Salt Lake, and spent a day and a half in Park City (the festival), where he captivated half the city with his humble and kind character. I was able to snatch some answers from him from a distance, after the trip and the crazy jet-lag.
BABYLON MAGAZINE: The film is a tribute to a specific type of journalist and particular style of journalism that nowadays seems almost extinct. Was this journalism, therefore, a result of that period of time?
DAVID TRUEBA: It does exist, but it holds less credibility, and those great figures almost always foster an extreme fidelity, contrary to high-quality journalism. Deep down, the same thing occurs with politicians. People complain about the fact that politicians nowadays are not like they were in the past, like Churchill or Kennedy, but the truth is that the current society does not make this easy, we are skeptical and critical, and I think this is a good thing.
BM: What made you have interest in talking about that period of time and why did you decide to do so from these characters’ point of view?
DT: Well, I wanted to face an important personal moment, which was the beginning of my Journalism studies, and the different way of understanding the trade, and transmitting an attitude. I think Spain liked itself, it thought it was perfect and felt satisfied at the end of the eighties. This generated a careless nap that worsened our culture, our media quality and our democracy.
BM: Did you have these actors in mind while writing the script?
DT: I normally do not think of any actor while writing, because if you can’t get that actor afterwards, you fall to pieces. In this case, I spent a lot of time thinking about who the male character could be, and one day I sprang out of bed, convinced that I just dreamt with the perfect actor for the role. However, I did not remember who he was. I was thinking about it the whole day, and then, late in the evening, I got a flashback and I remembered. I had dreamt with Marcelo Mastroianni.
BM: How important was the production design, and finding the right actors for the characters and period of time to be believable?
DT: That is always essential. The production design comes from the film’s financial. Since nobody wanted to finance it, we had to work in a very exposed manner, at a speedy pace, with no means, but trying to favor the movie through all this. Selecting the actors was not easy. Sacristán transmits something truly representative of that period of time, of the rhetoric found in cynicism, which then resulted in making money and in the get-rich-quick culture, a lot more than in continuing to be demanding with each other in our field. I wanted to tell the story through two characters that today no longer exist. The girls aren’t like that anymore, and neither are the adults. However, at that time, that hierarchy existed, that admiration, that degree of submissiveness, that cynicism, and at the same time, that intelligence, and that intellectual level. It was vital for me that none of the two main characters were fully kind, that they both had interests and a taint of shadiness in their behaviour. Just like life.
BM: Madrid, 1987 hasn’t received national subsidies, was that a deliberate decision or is it a consequence?
DT: It is a consequence. I would have loved to but, this type of aids are not granted at the moment and they are addressed to films whose budget is over 700.000 euros. So, as I didn’t expect subventions from any TV channel, my only possibility was to work cheap, and that is why I remain out of the standards applied when granting national aids. I’m not judging this. It is what it is. In fact, I think it is even more serious that the script, the actors and myself were not considerate valid as a security. Once the film was finished, Canal Plus found this project interesting.
BM: ¿How was the experience at Sundance, both for you and your film?
DT: It was fantastic. First, because we were able to realize how something that was local, could be close to people from many different countries and cultures. Second, because this year, over 4.200 films were passed at Sundance and only 14 were chosen to participate in the international competition. The organizers, themselves, told me they had seen more than sixty Spanish films which had been presented by production companies. For this reason, the only fact of having been there and having been selected is totally gratifying. In addition to this, the Festival was perfectly held and it offered us the opportunity to meet directors and other interesting people in a comfortable and cozy ambient.
BM: You say you’re afraid of movies which are “suitable for all audiences”, the universal and uncontextualized ones. However, a story about an unavoidably Spanish period of time and with references to Adolfo Suárez and Rosa León has slipped inside the international festival of Sundance and the audience gives it a round of applause, as if it were taking place right next door. How did this recognition affect you, in your point of view of history?
DT: It surprised me, most of all having been selected in the first place. The film is full of local and past references from the end of our transition. Moreover, it does not share the tendencies of current cinema; it’s outspoken and transparent in its staging, it’s radical in the way it presents itself, but it is not modern. However, I must admit that my personal taste always faces me towards particular stories which I sense are tightly settled in a specific time-frame and place. I do not mind if I do not understand some nuances inside certain movies, if in exchange I perceive that they are made in a mature manner, and with the purpose of telling something concrete. I am more interested in Nader and Simin, which tells a tale of something highly framed inside today’s Iran, than in Drive, which intends to be a poetic abstraction.
UNA DE LAS POCAS REPRESENTACIONES QUE TUVO ESPAÑA EN SUNDANCE 2012, y la única en la sección de largometrajes a competición, corrió a cargo de Madrid, 1987, película dirigida por David Trueba y protagonizada, casi exclusivamente, por María Valverde y José Sacristán. Ellos, un maduro columnista y una estudiante de periodismo, se pasan casi toda la película encerrados en un baño, medio desnudos, reflexionando sobre una cultura, una época y el choque entre generaciones. Producida por el propio Trueba, que tuvo que hacerlo al no encontrar apoyo en las televisiones, Madrid, 1987 tuvo, en uno de sus múltiples pases en Utah, a su director presentando la película. Trueba, que se quedó atascado en Seattle y Salt Lake debido a las nevadas del primer fin de semana del festival, estuvo día y medio en Park City, centro del festival, y conquistó, con humildad y amabilidad, a media ciudad. Una servidora pudo arrancarle algunas respuestas a distancia tras el viaje y el loco jet-lag.
BABYLON MAGAZINE: La película es un homenaje a un tipo de periodista y de periodismo que ahora mismo parece casi extinta. ¿Era acaso un producto de la época?
DAVID TRUEBA: Ahora existe pero con menor credibilidad y esas grandes figuras casi siempre fomentan una fidelidad extrema, contraria al buen periodismo. En el fondo pasa lo mismo que con los políticos. La gente se queja de que ya no hay políticos como los de antes, como Churchill o Kennedy, pero la sociedad actual no los permite, somos más descreídos y críticos. Y creo que eso es bueno.
BM: ¿Qué te hizo tener interés por hablar de esa época y por qué por boca de esos personajes?
DT: Bueno, quería enfrentarme a un momento personal importante como fue el comienzo de mis estudios de periodismo y la forma distinta de entender el oficio y de transmitir una actitud. Creo que España se gustó, se encontró perfecta y satisfecha en el final de los 80 y eso generó una siesta descuidada que empeoró nuestra cultura, nuestra calidad de medios y nuestra democracia.
BM: ¿Tenías en mente a esos actores al escribir el guión?
DT: No suelo pensar en ningún actor al escribir, porque después no puedes conseguir al actor y te hundes. En este caso le di muchas vueltas a quién podría ser el protagonista masculino, y un día me desperté de un salto, convencido de que acababa de soñar con el actor perfecto para el papel. Pero no recordaba quién era. Estuve todo el día dándole vueltas y ya entrada la tarde me vino un fogonazo y me acordé. Había soñado con Marcelo Mastroianni.
BM: ¿Cómo de importante fue el diseño de producción y cómo de importante encontrar a los actores correctos que fuesen creíbles para la época y los personajes?
DT: Eso es fundamental siempre. El diseño de producción deriva de las posibilidades económicas de la película. Sin nadie que quisiera financiarla, tocaba trabajar muy al desnudo, rápido, sin medios, pero intentando que todo eso favoreciera la película. La elección de los actores no fue fácil. Sacristán transmite algo icónico de esa época, de la retórica de cinismo y entonces eso derivó en la cultura del pelotazo y de hacer pasta, mucho más que seguir exigiéndonos cada uno en lo nuestro. Quería contarlo a través de dos personajes, que hoy ya no existen. Ni las chicas son así, ni los adultos son así. Pero entonces existía esa jerarquía, esa admiración, esa cierta sumisión, ese cinismo y al mismo tiempo esa inteligencia y ese nivel intelectual. Era vital para mí que ninguno de los dos protagonistas fuera simpático del todo, que ambos tuvieran intereses y una cierta turbiedad en su modo de comportarse. Como la vida misma.
BM: Madrid, 1987 es una película que no cuenta con ayudas estatales. ¿Fue ésa una decisión premeditada o una consecuencia?
DT: Es una consecuencia. A mí me hubiera encantado. Pero las ayudas al cine son a posteriori y han de ser para películas con un presupuesto mayor de 700 mil euros. Así que una vez que no contaba con la financiación de ningún canal de televisión, mi única posibilidad era trabajar muy barato y por eso quedó fuera de los baremos de ayuda estatal. No es algo que juzgo. Es así y punto. Más grave es que ningún canal de televisión considerara el guión y mi presencia y la de los actores una garantía. A película terminada, Canal Plus ha encontrado atractivo el proyecto.
BM: ¿Cómo ha sido la experiencia en Sundance, para ti y para la película?
DT: Estupenda, primero por lo que hablábamos de comprobar que algo tan local era cercano a gente de otros países y otras culturas. Segundo, porque a Sundance se presentaron este año 4.200 películas y eligieron solo a 14 para la competición internacional. Los propios organizadores me dijeron que habían visto más de sesenta películas españolas que las productoras presentaron a selección. Así que solo ser seleccionado y estar allí era un privilegio y un lujo. Luego el Festival me pareció entrañable, muy bien llevado, agradable para estar y conocer otros directores y gente con los mismos intereses que tú.
BM: Dices que te dan miedo las películas “para todo el mundo”, las que son universales y no contextualizadas. Sin embargo, una historia sobre una época inevitablemente española y con referencias a Adolfo Suárez y Rosa León se ha colado en la muestra internacional de Sundance y el público la aplaude como si tuviese lugar aquí al lado. ¿Cómo te afectó, en tu propia visión de la historia, este reconocimiento?
DT: Me sorprendió, sobre todo la selección. Es una película llena de referencias locales y a un tiempo pasado de nuestro final de transición. Que además no participa de las modas del cine actual, sino que es hablada, transparente en su puesta en escena, radical por su modo de presentarse, pero no moderna. Pero te diré que mi gusto personal también se vuelve siempre hacia historias particulares, que noto bien asentadas en el tiempo y en el lugar. No me importa no entender algunos matices de ciertas películas si a cambio percibo que están hechas con madurez y con intención de contar algo concreto. Me interesa más Nader y Simin, que cuenta algo muy encuadrado en el Irán de hoy, que Drive, que pretende ser una abstracción poética.